什麼樣的畫才是真正的好畫

　　什麼樣的畫才算是一副好畫呢，有什麼好的判斷標準碼?那麼下面一起來看看小編為大家精心推薦的，希望能夠對您有所幫助。

　　好畫的標準

　　好畫是能夠經受歷史考驗的，能夠真正留存在藝術史中的，而成就一幅好畫併成為一名優秀的畫家需要具備四個方面的條件。

　　第一，必須具有鮮明的風格;

　　第二，必須具有一定的作畫難度;

　　第三，必須要既可抒發主觀情懷，又不失基本的真實;

　　第四，藝術作品必須具有特殊的情感。

　　“好畫”的風格在不斷豐富和變化，但品評標準在大的方面依舊沒有離開“謝赫六法”涵蓋的框架。

　　好的畫作應該包含前瞻性的元素，甚至要超越當時人的審美欣賞水平。

　　只有留下具有說服力作品的藝術家，或者符合時代發展規律的藝術家，才有可能成為歷史的選擇。

　　對於好畫專家的意見標準

　　什麼是真正的好畫?以什麼標準來判定?是依靠貼在畫上的價格標籤來估計，還是通過拍賣行裡此起彼伏的競價聲來衡量，抑或是畫家的名氣和身份能夠代表一幅畫的價值?顯然，上述條件並不能完全與藝術價值畫上等號，也就是說，不能成為論斷“好畫”的絕對標準。不過，弔詭的是，現實中，諸如此類的附加因素正在成為“好畫”的標準，“價格”、“身份”正在演變為“價值”。

　　亂花漸欲迷人眼，正如理論家王志純在此前的訪問中所說，不能讓現象遮蔽了本質。今天，在嘈雜的繁榮景象裡聚集了太多的現象，多到難以捕捉實實在在的本質問題，而一旦標準被模糊掉，人們也就無法辨析甚至遺忘了真正的藝術價值，於是，“好畫”的定義也必然被改寫。

　　“什麼是好畫”、“什麼樣的畫家有潛力”、“好畫的價值體現在什麼地方”……這一系列的問題看似簡單，實際上卻並不容易說得清楚，不過，在當下這一時期，有必要來回答這些問題，有必要闡釋“好畫”的定義，更有必要重提藝術標準。李愛國、齊鳴和付曉東三位學者，分別從繪畫的技法、藝術家的素質以及批評家的關注點等幾個不同視角闡述了他們對“好畫”、“好畫家”的定義。

　　好畫是能夠經受歷史考驗的……要具有極其鮮明的風格;具有一定的作畫難度;既可抒發主觀情懷，又不失基本的真實;有特殊的情感，表達的東西應該與以往已經成名的任何藝術家都不同。

　　北京大學教授、畫家李愛國認為，好畫是能夠經受歷史考驗的，能夠真正留存在藝術史中的，而成就一幅好畫併成為一名優秀的畫家需要具備四個方面的條件。

　　“今天走紅的藝術家，很難說將來如何，也許其中有的人走紅，有的今天不引起關注卻在將來走紅，依每位藝術家的具體情況不同而定，我認為，藝術家和他的作品要留存下來，必須具備四個條件。”李愛國說，首先要具有極其鮮明的風格，“比如吳冠中先生，有的人可能覺得他有的畫作畫時間太快，不過，他的風格決定了他載入中國藝術史，至少是20世紀的中國藝術史。他創造了一種點線面相結合的、自古以來從未有過的畫風。一位畫家想在藝術史上留下自己的名字，第一就要靠風格。風格就是人，就是用自己的聲音在繪畫的舞臺上說話，而不是學著別人的腔調，拿著別人的語言來闡釋自己的理解。因此，具有極其鮮明的風格是最核心的要素。”

　　“其次，必須具有一定的作畫難度。舉個例子，著名的‘杜尚的小便池’，它可以載入西方美術史，是因為杜尚是觀念藝術的第一位探索者，但是，第二個人再要重複就沒有任何價值了。比如我把一個席夢思床墊送到美術館去，美術館肯定不會收。而‘杜尚的小便池’，美術館不但收了，而且作為重要的展品。中國繪畫與西方繪畫，特別是與西方現代派藝術非常不同的地方就在於，我們極為注重技巧的難度。遠的且不說，僅在20世紀，中國眾多大師級畫家，如徐悲鴻、齊白石、吳昌碩、李可染、傅抱石、潘天壽等人，每一位都有自己在作畫方面獨特的難度。比如潘天壽，他的幾筆看似簡單，後人卻很少有人能夠做到。他一筆畫出石頭輪廓的功力，令其他作畫者望而卻步，絕大多數人都知難而退，很難企及他的高度。”李愛國說，中國傳統繪畫的大家，只要能夠列舉出來的，其技巧和作品無一不具有高難度。

　　“第三，能夠留存下來的畫作，必須要既可抒發主觀情懷，又不失基本的真實。”李愛國解釋說，這裡所說的“真實”，指的是對物體把握的基本的真實。“一、不管是變形也好，誇張也好，畫的是雞和兔子，就不能離開雞和兔子的基本面貌，不能說畫完以後別人根本看不出來是什麼。二、畫家必須具備一定的塑造空間的造型能力。”

　　李愛國認為，上述三個方面缺一不可，“如果只強調獨特的風格，而不具備難度和真實，那隻要身上塗滿顏料，然後找塊布打個滾兒，畫出來的東西也可以說有很獨特的風格。但是，這種作品不具備難度，也談不上真實，所以，不能稱之為優秀。”

　　“最後還有一點，所有的藝術作品都必須具有特殊的情感，抒發特殊的情懷，表達的東西應該與以往已經成名的任何藝術家都不同。比如說八大山人，他的畫流露出欲哭無淚的感覺，滲透著淒涼的亡國之恨，與以往藝術家的情懷不同。還有徐悲鴻的奔馬，我們一看到就會想起抗日戰爭時期的義勇軍形象，會感受到一種抗戰的情懷，八年抗戰成就了徐悲鴻的馬，它承載了民族精神和愛國情懷。”李愛國認為，一位畫家的作品要被歷史承認，要具有真正的藝術價值，就必須具備以上四個條件。

　　好的畫中起碼要看得出繪畫者是否有創造性，是否真誠……應該包含前瞻性的元素，甚至要超越當時人的審美欣賞水平……藝術家的“近視”反映出普遍價值觀在轉型，不少人做夢都是實際的，能靜觀現實和堅持理想的人漸漸變得稀有。

　　北京語言大學教授、畫家齊鳴認為，實際上，“好畫”的風格在不斷豐富和變化，但品評標準在大的方面依舊沒有離開“謝赫六法”涵蓋的框架，“當然，面對具體作品的時候，不能空洞地往上套。我們看作品要看氣韻是否生動，第一眼的感受是正氣是邪氣，是發自肺腑還是裝腔作勢，然後再看筆法功力，有沒有用筆的古法古意。現在很多人已經不像古人那麼講究了，不過，起碼要看得出繪畫者是否有感而發，是否有創造性，是否真誠。藝術的本質就是真實，這個真實不是說要畫得像照片一樣就叫真實，而是說畫中所表達的精神狀態真實，有魂靈沒有。”

　　齊鳴所說的“謝赫六法”是中國古代美術品評作品的標準和重要美學原則，最早出現在南齊謝赫的著作《畫品》中。六法論提出了一個初步完備的繪畫理論體系框架——從表現物件的內在精神表達畫家對客體的情感和評價，到用筆刻畫物件的外形、結構和色彩，以及構圖和摹寫作品等，創作和流傳各方面都被概括進去了。自六法論提出後，中國古代繪畫進入了理論自覺的時期。後代畫家始終把六法作為衡量繪畫成敗高下的標準。

　　當然，“謝赫六法”作為一個理論性原則並不能取代面對具體作品時的感受，因此，齊鳴也建議美術愛好者多學習一些常識，多去體驗和比較，掌握要領之後才能做出有審美意義的判斷和受到美的薰陶，“學會賞析繪畫首先需要有賞的心態，才能進入畫境，賞析需要一個積累的過程，中國畫很看重這一點，缺少專業常識的人不易看出一幅畫的好壞，它的價值體現在什麼地方。”

　　另一方面，齊鳴認為，好的畫作應該包含前瞻性的元素，甚至要超越當時人的審美欣賞水平。“上世紀90年代曾經出現過一股‘黃賓虹’熱，黃賓虹的畫不那麼大眾化，與齊白石的雅俗共賞不同。而他的作品之所以到了上世紀90年代才被髮掘出價值，恰恰是因為他的作品具有前瞻性，超越了與他同時代人的審美欣賞水平。”

　　齊鳴說，當下中國藝術家的“近視”反映出普遍價值觀在轉型，不少人做夢都是實際的，能靜觀現實和堅持理想的人漸漸變得稀有。“所以，當代很難產生出真正的大師，其中人格、學養缺失是重要因素，過於實用的‘近視’也是一個因素，這種現狀很難使藝術精神昇華到更高境界。以往不管是‘為人生而藝術’還是‘為藝術而藝術’的追求裡還有一種精神的純潔的東西在，藝術中的文人品格、崇高、見真性情及自由清新、充滿情趣表達等諸方面氣息也顯得純正。而現在的人張嘴閉嘴都是‘有什麼用呀’，藝術有什麼用?真正的藝術就是沒什麼用。搞藝術看起來很輕鬆，其實傾情投入和堅定信念都含在其中，還要承受住寂寞。作為藝術家，應該對自己有一個清醒的認識，對藝術有一個堅守的態度，不過要做到確實很難。”

　　藝術史是作出最後檢驗的唯一標準……藝術的語言、本質、水平高低是最主要的……藝術家真正要比拼的是水平的高低……過了100年後，誰會記得那些自我炒作的人，只有真真正正留下具有藝術價值作品的藝術家，才可能被歷史記住。

　　“藝術史是作出最後檢驗的唯一標準。”《美術文獻》雜誌執行主編、美術批評家付曉東提出，“為什麼所有藝術家都非常重視藝術史，因為，藝術史就是藝術語言不斷創新的積累，進入藝術史的人應當是這個時代最突出的代表。每個時代都有在價格上特別高的畫家，但是，這類畫家的作品最後也仍有可能被淹沒在歷史的洪流之中。而那些作為時代節點的藝術家，比如凡·高，即便當時不被承認，後世也會發掘出他們的價值。”

　　付曉東說，青年批評家群體可能比較精英趣味，更關心藝術前沿的問題，“我們聚在一起的時候，總是討論小圈子裡最實驗的創作，國內外最新出現的學術問題，可能在這一點上很少參與公眾討論。對於好的藝術作品來說，它的藝術本體語言、發生的話語背景，與整個社會歷史文化之間的複雜關係，個體生命性和情感性的體驗等，都具有新的挑戰和開放性，是人類智性的活力所在。至於資本的炒作，畫家的背景，達官顯貴的追捧等，其實都是很短暫和人為化的效應，難以持久。當然藝術品生產的平臺與生態關係，也是複雜而飛速變化的，這也是我關心的話題。”

　　“我看待一位畫家的價值和水平，不是看他的市場價格，這個因素影響不了我作為一個觀察者的價值判斷。我不願意做市場預測，但是藝術品的價值是客觀存在的。100年以後，誰會記得那些自我炒作的人?只有留下具有說服力作品的藝術家，或者符合時代發展規律的藝術家，才有可能成為歷史的選擇。