風光攝影藝術性的基本介紹

　　在風光攝影中，無論是平淡無奇還是雄偉壯麗，它都包含著無限量的視覺美點。下面是小編整理的一些關於風光攝影的藝術性討論，供大家參閱。

　　風光攝影的藝術性

　　光對於攝影的重要性，不言而喻。在風景攝影中，有了光的照射，畫面才會產生明暗層次、線條和色調。季節不同，太陽位置不同，光線強弱也不同。每天不同的時間段，光線強弱也會發生變化，也就是說，不同時間段的色溫是不同的。在不同光線照射下，風景會呈現不同的顏色。因此，要根據表現意圖利用適合的光線，如秋天和冬天利用逆光和側光拍攝車輛等，被攝體一側會出現陰影，可以表現其力度;春天和夏天利用逆光的透過光和側光拍攝花卉，可以表現被攝體的質感和立體感;早、晚利用柔和光線則可以表現充滿清靜氣氛的風景。

　　1、拍攝風光，主要是以太陽光作為光源。太陽的位置不同，照射在景物上能產生的效果也不同。在風景攝影中，用順光拍攝景物，能夠給人明亮、清朗的感覺。但是，順光照射景物過於平正、明暗之分不明顯，這往往會使景物主體與背景的色調融合，畫面缺乏立體感。但是順光的利用對於初學者來說比較簡單，攝影者只要使用相機的評價測光模式，基本上就可以拍攝出令人滿意的照片。

　　2、側光在風光攝影中是用得較多的一種形式。尤其是 45°角的前側光，不僅能夠使景物具有一定的明暗反差，增強景物的立體感和畫面影紋層次，同時，對畫面色彩的還原也比較理想。而 90°角的側光，能夠使景物的明暗各佔一半，畫面的明暗反差和立體感非常明顯。尤其是在表現建築物等表面不平整的物體時，效果更為突出。攝影者在利用側光拍攝時，要注意儘量對畫面的明亮處進行測光，避免造成畫面區域性曝光過度。

　　3、逆光是風光攝影中最有個性的光線。逆光是指陽光從相機的對面照射過來，景物被光線照射的部分都會產生光亮的輪廓，主體與背景得以明顯的分開。逆光最適合表現前後層次較多的景物，在每一景物背後都勾勒出一條條精美的輪廓光，使前後景物之間產生較強烈的空間距離感和良好的透視效果。拍攝逆光景物時，畫面往往會因陽光的照射和景物的光亮輪廓而造成曝光不足。因此，攝影者在拍攝逆光景物時，最好以景物的陰暗部分來確定曝光時間，這樣才能充分顯示出景物的層次。如果攝影者想得到剪影的效果，那麼拍攝時以亮部為準即可。

　　4、在攝影過程中，光與影是同時存在的。但在攝影創作中，尤其是風景攝影中，陰影的作用常常被忽略，甚至有些攝影者在拍攝過程中刻意迴避陰影。然而它仍是很多優秀攝影作品中不可缺少的一部分，攝影者只要恰當地把握好畫面的明暗對比，就能得到很好的畫面效果。陰影的性質決定於光線的性質。一般情況下，漫射光是很難形成強烈的陰影的。畫面中如果存在極其明顯的明暗對比效果，那麼此時的光線大多數情況下為直射光。對於風景攝影，如果是在清晨或者傍晚的時候拍攝，還會得到很長的影子的效果，並且陽光越強，影子就越暗。此時，選擇一個至高點拍攝，就會得到非常棒的光影作品。

　　風光攝影的真實性與藝術性之辯

　　在網上攝影論壇中，一直以來對於風光攝影的評論都存在著是否“真實自然”的爭論，這在非專業的攝影愛好者中有一定的代表性。但是在專業的攝影評論中這種鑑定標準早已不存在了。因為，現代攝影早已經遠遠突破自然寫實的階段，攝影者完全有權力按照自己的感受來進行創作，追求多種形式多種元素的視覺效果來表達作者內心的審美情趣。就我個人而言，也有不同的喜好，根據我對環境的理解以及當時創作的情緒，有時追求國畫般的淡雅空靈，以求得心靈的疏放寧靜;有時候又追求油畫般的濃烈厚重，以寄託跌宕起伏的心情。

　　我始終認為風光攝影不是紀實攝影，更不是地質勘探和現場勘查，攝影者只需要把心中最強烈的感覺傳遞給讀者，而不需要把最真實的原貌還原給讀者。在攝影實踐中往往會出現這種情況，同樣在一個地方拍攝，不同的個性的攝影者就能創作出不同風格的作品。這個“創作”就是指的前期攝影和後期製作兩個方面。有責任感的攝影家絕對不會把一張隨手拍來不經任何處理的照片拿來示人，更不可能進入商業圖片流通領域，為了作品的生命和價值，攝影家都會以認真的態度對作品進行後期加工，即二度創作，使作品的構圖、影調、層次和色彩達到自己心目中的最佳狀態，或者達到市場的最佳賣點。

　　目前在國內外獲得大獎的作品都是經過二度創作的，在PS技術高度發達的今天，大型攝影展非常強調後期製作功夫，並單獨設立“數碼創作獎”， 即使誇張到無與倫比的程度也不是失誤，荒誕到令人費解的地步還是藝術，這也是一種另類追求。如果評論者再用什麼“真實自然”的詞語去評判他，那顯然就是“劉姥姥進大觀園”——土得掉渣了。其實，說白了，PS技術就是攝影技術的延伸，如同原始的暗房技術一樣，都屬於攝影創作的有機組成。請記住殘劍餘輝的個人觀點：再好的鏡頭也就是光學儀器，都存在不同程度的缺陷，它無法看到人類肉眼所看到的真實，更無法看到人類內心所希望看到的真實，所以需要依靠後期製作的彌補和提升。但值得注意的是，PS技術不等同於PS藝術，光學會使用PS工具還遠遠不夠，必須學會對藝術創作的理解，學會對攝影價值的定位，學會對諸多元素的取捨，學會對色彩明暗的調配，一片在手，就能判斷出好在哪裡，缺陷在哪裡，應該往哪個方向走，即獨具慧眼，像由心生，這樣PS技術才能為攝影藝術服務。一個偉大的攝影師，他可以不懂PS技術，但他必須有一個不一定懂攝影藝術的PS高手做助理，珠聯璧合才可能誕生偉大的作品。

　　所以對於風光攝影作品的評論再停留在真實自然的層面上，顯然已經不適時宜。就像我們不能用生活的真實要求國畫藝術和舞臺藝術一樣，否則就會刻舟求劍按圖索驥了。同樣，如果我們冥頑不化地死死守著“真實自然”的概念，而不肯學習PS技術，那麼我們的攝影水平永遠突破不了初級階段，永遠達不到應有的境界。隨手一拍就叫作品，那麼，照相與攝影就沒有區別了，照相人與攝影師也就殊途同歸了。請記住殘劍餘輝的至理名言：“沒有美感的真實，是不會引起心靈震撼的;而具有真實的美感，才能衝擊人的靈魂。”

　　誠然，PS的過程也是創作的過程，PS與效果有關，與真實無關。效果與藝術修養有關，與PS手段無關。所以評判一幅作品的好壞，主要是看有沒有美感，有沒有未被讀者發現的潛意識***就像達芬奇的《蒙娜麗莎》和《最後的晚餐》一樣，留下永遠解讀不完的密碼***，而不是有沒有PS。攝影師用手中的相機，就像畫師手中的筆，第一要義在於創造美，至於中間經不經過處理，並不重要。重要的是我們在觀念上的把握，既不能以真實的PS來否定PS的真實，也不能以失度的PS來掩蓋PS的失度，這是一對辯證統一的矛盾，我們要以辯證的思維去對待。當然，我們都不是行家裡手，PS的過程也是嘗試的過程，也許會失敗，但是不要緊，只要大膽地去嘗試，大膽地去追求，總會有成功的。

　　風光攝影構圖的原則

　　1、平衡

　　畫面的佈局彩對稱或非對稱式。

　　2、對比

　　採用大小、高低、遠近的對比手法。

　　3、主題

　　主題佈局在畫面的位置突出。

　　4、畫面的連線性

　　畫面的連線性是從線條的連線性和物體中產生，必定要有龍去脈。來龍是畫面的引點，而去脈是消失點，這些來去的表現，都是一脈可尋。這樣才能有效地表現透視感。

　　5、畫面的節奏

　　畫面的節奏主要也是從景物的線條中產生，有見於畫面的直線、曲線、斜線、弧線、上下屈曲線、左右轉折的線，有些是明顯的實線，也有些是隱晦的虛線;有些是錯綜複雜，而矛盾統一;有些是簡單純潔，卻活潑流動;有些強弱對比，有些剛健有力。這些線條在我們的畫面上都能有效地產生著畫面的節奏感和連線性。因此，我們在風光攝影中，一定注意運用景物的線條。

　　6、畫面的分格方式

　　為了使畫面的嚴敕的處理，也可將畫面進行分格方式來處理，目的衡量畫面佈局的份量。